La carrière de Diane Arbus

Diane Arbus invente un nouveau style en cherchant, d’une part, à rendre étranges des scènes familières, et d’autre part, à rendre banales des images atypiques. Dans ce but, elle photographie des inconnus, dans leur intimité, avec pour toile de fond le New York des années 60. Ses clichés sont en noir et blanc, ce qui renforce l’effet souhaité par l’artiste.
Son travail choque car ses personnages peuvent aussi bien être des couples, des enfants, que des nudistes, des travestis ou encore des nains. On dit de Diane Arbus qu’elle a révolutionné la photographie en l’élevant au statut d’art. Elle met fin à ses jours au début des années 70.

Les raisons du succès de l’exposition Diane Arbus

L’exposition s’est tenue ces derniers mois au jeu de Paume à Paris. Cette rétrospective présentait plus de 200 photographies de l’artiste. Elles étaient dépourvues de titre, volontairement, afin de laisser le visiteur découvrir par lui-même toute la sensibilité artistique que contiennent les photographies. Grâce au travail de l’artiste, on découvre la vie de New York dans les années 60, la ville mais surtout ses habitants, dans leur intimité, avec toute leur diversité et leur originalité. Elle nous présente ces anonymes sous un point de vue complétement inattendu. On est surpris devant la photo de deux jumelles habillées et coiffées de façon identique, qu’on pourrait identifier à des clones. On est encore choqué par ce cliché d’enfants trisomiques jouant comme n’importe quel bambin de leur âge. Diane Arbus a su transformer l’ordinaire en étrange et l’atypique en banal. Elle nous fait voir à travers ses yeux des traits de la vie humaine, dans toute son intimité, que l’on n’est pas capable de percevoir soi-même. Là résident probablement les principales raisons de la reconnaissance de son travail et du succès de cette exposition.

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Une occasion, une carte

Les magasins spécialisés proposent différentes sortes de cartes d’invitation pour chaque cas. Les cartes d’invitation pour les mariages et fiançailles sont rassemblées autour d’un thème. Généralement, le blanc est à l’honneur, seule la couleur des caractères d’impression est différente. Cependant, certaines cartes sont colorées, ou sont proposées avec des motifs. D’autres dépendent du thème choisi par les futurs mariés. Ces cartes se présentent sous la forme d’une carte pliable (en 2 ou 3) ou simple avec un papillon, en mode portrait ou paysage… Elles sont personnalisables avec la photo et les prénoms. Les cartes d’anniversaire se présentent sous un format 10X15cm ou plus selon les besoins. Elles peuvent être personnalisées avec une photo, un prénom et d’autres figures… Les invitations pour d’autres occasions comme le baptême ou la communion sont toutes aussi différentes : avec des couleurs, des motifs, avec ou sans photos, dans un format panoramique ou carré, pliable…

L’impression

Beaucoup de magasins spécialisés et imprimeurs se chargent de l’impression. Parfois, les boutiques offrent des réductions à partir d’un certain nombre de commande. En ligne, certaines boutiques proposent, à part la personnalisation, une impression gratuite à partir de chez soi. Ce procédé est plus rentable et économique si l’on dispose de l’encre, du papier et de l’imprimante adéquats. Les cartes d’invitation peuvent être plus originales et être créées par soi-même. Il suffit d’avoir des connaissances sur Photoshop et le tour est joué ! L’impression pourra se faire chez un imprimeur pour donner un meilleur effet. Il est à noter que la qualité du papier et de l’impression sont très importantes pour la finition de la carte d’invitation.

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Une naissance et des débuts français

La Fondation Cartier fonctionne selon le principe du mécénat et soutient les artistes contemporains. Bien loin de se cantonner à un seul type d’art, la Fondation Cartier s’intéresse à des domaines aussi intéressants que différents tels que la peinture internationale, la photographie, la vidéo ou même la sculpture. Les principales activités de la Fondation Cartier se résument à organiser des expositions et des spectacles. Elle édite également des livres ainsi que des catalogues afin de faire découvrir ses artistes. Ce qui fait l’intérêt et la force de cette Fondation, c’est son éclectisme et son ouverture (plus de 1000 œuvres sont conservées entre ses murs). Il semblait donc évident que la Fondation Cartier s’intéresse à l’Art international.

Des projets artistiques sans frontières

Si, depuis 1994, la Fondation Cartier a élu domicile sur le boulevard Raspail, à Paris, elle n’en demeure pas moins à l’écoute et à l’affût des nouvelles tendances et de l’Art à un niveau international. Des œuvres de nombreux artistes étrangers font donc également partie des fonds de la Fondation. À noter que la Fondation Cartier présente et transporte également ses œuvres dans d’autres villes comme New York ou Tokyo au cours d’expositions itinérantes.

Une Fondation à l’origine de nouveaux courants artistiques

La Fondation Cartier ne se contente pas de s’intéresser à l’Art international et de promouvoir les artistes : elle est également à la source de nouveaux projets artistiques qui n’auraient pas pu voir le jour sans son action et organise « Les Soirées Nomades ». Le bâtiment, imaginé par Jean Nouvel, un architecte français, dépasse alors son simple statut de lieu d’exposition et devient le théâtre de rencontres riches en découvertes. On y trouve des expositions de peinture et des représentations musicales ou des défilés de mode peuvent également y être organisés.

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Des objectifs variés

Les FRAC acquièrent des œuvres d’artistes vivants représentant au mieux les tendances modernes artistiques et offrent une possibilité de réflexion sur les sujets d’actualité plus ou moins récents.
S’appuyant sur des partenariats variés avec plusieurs institutions et acteurs culturels régionaux (directeurs d’établissements scolaires, universités, musées…), les FRAC cherchent à valoriser le travail des artistes contemporains tout en y sensibilisant le plus large public possible. Pour cela, les FRAC sont entre autre à l’origine de la mise en place de conférences, de visites guidées ou encore de rencontres entre le public et les artistes. Depuis la création des FRAC, le patrimoine en matière d’art contemporain s’est nettement étoffé et largement décentralisé sur le territoire.

Modus operandi

Un conseil d’administration ainsi qu’un comité technique d’achat sont présents dans chacun des FRAC du territoire français. On peut également y trouver des acteurs culturels régionaux comme des élus municipaux ou des directeurs d’écoles et de musées. Après l’élaboration par le directeur d’un projet visant à déterminer la ligne directrice du FRAC, il revient au conseil d’administration de l’accepter ou non. Le comité d’achat se charge d’étudier les propositions d’acquisitions qui sont alors également soumises à l’acceptation du conseil d’administration.

Financement

Afin de permettre différentes actions aux FRAC comme celles de réaliser des acquisitions d’œuvres d’art et de les diffuser, les collectivités locales et l’Etat, par le biais du ministère de la culture, se chargent de financer chacun d’entre eux. Le budget global est revu chaque année et a triplé depuis la création des FRAC.

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Les expositions d’art contemporain

Malgré la récente disparition de l’Art Forum, Berlin offre toujours beaucoup de possibilités pour exposer les œuvres des artistes contemporains, qu’ils soient allemands ou pas. Ainsi, à l’espace “me Collectors Room” de Berlin, on peut admirer l’exposition “My Paris”, destinée à présenter environ quarante artistes français contemporains. La contrepartie sera l’exposition à Paris, à la Maison Rouge, d’œuvres d’artistes contemporains allemands : des peintures, installations, sculptures ou photographies réalisées par Gerhard Richter, Sigmar, Polke, Daniel Richter, Jake et Dinos Chapman, Robert Capa…

Un afflux d’artistes du monde entier

Cela fait déjà quelques années que Berlin attire des artistes du monde entier, sans doute grâce à la multiplication des galeries, l’arrivée de grands collectionneurs qui n’hésitent pas à présenter leurs collections au public, la présence de musées comme le Hamburger Bahnhof… et les amateurs d’arts qui viennent découvrir ce foisonnement artistique.

Et les artistes…

Des sculptures, des peintures et des photographies, en particulier, sont proposées par les artistes contemporains, parmi lesquels on compte, entre autres, Wolfgang Tillmans qui, en mêlant portraits, paysages et natures mortes, illustre son engagement pour défendre les droits des homosexuels et lutter contre le racisme et la précarité.
Andreas Gursky utilise la technologie numérique pour présenter des photos grand format couleur représentant la société contemporaine avec son gigantisme et son abondance. Gerhard Richter, quant à lui, réalise des peintures immenses, en utilisant des techniques très différentes et des styles tout aussi variés, y compris l’abstraction. Il est l’un des artistes allemands contemporains les plus connus. Autre peintre contemporain, Anselm Kiefer, néo-impressionniste, qui aime à illustrer l’histoire de l’Allemagne, à l’aide de plomb, de paille ou de goudron, qui donnent à ses peintures un côté rugueux et violent. Enfin, on mentionnera Joseph Beuys, sculpteur et professeur à l’Académie des Beaux-arts de Düsseldorf, qui créait à partir de feutre, d’os ou de graisse, en souvenir d’un épisode difficile de sa vie.

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Le “temple de l’art contemporain”

C’est ce terme qui qualifie depuis longtemps le Palais de Tokyo conçu, dès son origine en 1937, pour être un musée d’Art Moderne. Le bâtiment se présente comme une grande coquille courbe qui, par sa neutralité, laisse tout loisir aux artistes de présenter leurs expositions, installations et spectacles, sans influence extérieure. Ce grand espace va encore être agrandi avec 9.000 m2 supplémentaires qui seront mis à disposition, dont 5.500 m2 réservés aux expositions. De plus, pour le confort des visiteurs, des zones restauration, librairie, boutique et jardins permettent de faire une pause au cours de la visite, et les expositions sont ouvertes, le plus souvent, de midi à minuit.

Des expositions à voir et à revoir

La variété des expositions permet à tout public de trouver son bonheur avec, par exemple, les installations de Christian Andersson, “From Lucy with love”, où l’artiste crée des sortes de “pièges à perception”, pour surprendre le spectateur et modifier sa vision. On pourra aussi explorer l’exposition Carte blanche à John M. Armleder “All of the above”. Cet artiste/commissaire d’exposition suisse a invité une trentaine d’artistes à présenter une œuvre qui peut être aussi bien une peinture, une sculpture ou une vidéo. Ces œuvres sont placées sur une scène composée de plusieurs plateaux successifs, créant ainsi une superposition visuelle et des rencontres surprenantes.
De même, Olaf Breuning présente son exposition “The Art freaks”, qui s’exprime sous forme de bannières suspendues au plafond comportant une photographie d’un personnage au corps peint.

Un appel à photos

Enfin, le Palais de Tokyo prépare un numéro hors-série du magazine Palais, consacré à son histoire. À cette occasion, il fait appel aux personnes qui pourraient posséder des photos ou documents concernant ce lieu mythique, pour les périodes 1937 à 1998 et 2002 à 2011, afin d’enrichir ce numéro exceptionnel.

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Un ou deux acheteurs…

« Pour l’art contemporain à Paris, les galeries, c’est la galère, mais on peut faire quelque chose », estime Dorothy Polley, une Américaine directrice et fondatrice de la « dorothy’s gallery », pas loin de Bastille, qui a ouvert ses portes en 2006. Au début de cette année, elle a exposé une vingtaine de tableaux d’Henry Miller, et, depuis le 23 septembre – jusqu’au 24 octobre – elle accueille, sous le titre « Paris-Texas, Culture Shock », des artistes texans et des artistes résidant en France. «Même les galeries les plus cotées, celles qui ont plus de 20 ans d’expérience, ont de plus en plus de mal à toucher une population prête à acheter. J’ai bien vu lors du vernissage de l’actuelle exposition : sur 200 visiteurs, seuls un ou deux achètent », déplore la galeriste américaine.

Moyens alternatifs

Toutefois, selon elle, la crise n’est pas la seule cause de ce malaise : « Il y a surtout beaucoup de moyens alternatifs aux galeries pour acheter de l’art contemporain. Il y a d’autres circuits, et puis aussi la possibilité pour certains d’acheter directement à l’artiste », explique-t-elle. «C’est la différence avec New-York, par exemple », poursuit Dorothy Polley, « où les Américains sont, si l’on peut dire, consommateurs d’art et achètent des tableaux contemporains à mettre chez eux, alors que les Français, pour la plupart, ne font pas ce type d’investissement, mais vont voir les œuvres dans les musées ou les galeries ».

Paris, une place importante

Toutefois, assure-t-elle, « Paris reste une place importante, pour des artistes américains désireux de se faire connaître en Europe, mais aussi pour des artistes européens intéressants et dont je peux faire tourner les œuvres aux USA, où elles seront mieux vendues qu’ici, d’autant qu’elles seront affichées à des prix plus raisonnables ».

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Un lien entre le public et le monde artistique

Elles relient le monde artistique au public. Lieu où transite une création entre l’artiste et l’acheteur, la galerie d’art est ouverte gratuitement aux visiteurs d’horizons divers. Parce que ces visiteurs proviennent d’un niveau intellectuel, professionnel, social ou économique différent, la galerie d’art permet de faire sortir les œuvres du monde artistique très fermé et réduit. Elle joue donc un rôle d’ouverture, de démocratisation et de vulgarisation et d’éducation de l’art.

Un rôle d’exposition

Les galeries d’art soutiennent les créateurs et sont indispensables au monde de l’art. Leur rôle est de mettre en scène le travail de l’artiste, c’est souvent le premier lieu où les œuvres sont vues par le public. Elles pourront donc être soumises aux critiques extérieures. Artistes et galeries ont besoin l’un de l’autre pour vivre et se rendre visibles.

Un lieu de commerce

Outre ce rôle d’exposition, les galeries d’art sont aussi un lieu de commerce. Leur rôle est donc de vendre les créations des artistes. Un contrat est souvent passé entre l’artiste et la galerie. Ce qui permet à l’artiste de promouvoir ses œuvres par le biais de l’exposition dans la galerie mais également dans diverses manifestations culturelles. La galerie a pour mission de gérer toute la logistique liée à l’organisation de l’exposition, et l’administration notamment au niveau de la comptabilité. La vente des œuvres d’art témoigne de la validation et de la reconnaissance du travail de l’artiste par le public. La galerie joue alors un rôle fondamental dans le développement et l’avenir de la carrière créative de l’artiste.

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